„Digger“ (2026)

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Als ich nach einem heißen Herbstspaziergang ins kühle Cineplexx einkehrte, begrüßte mich der Kinobesitzer mit einem: „Gratuliere, Sie haben den großen Kinosaal ganz für sich alleine, Sie können jeden Sitz wählen.“ Er fügte hinzu, dass er sehr enttäuscht sei, dass der Film überhaupt nicht gehe. Er vermute die schlechten Kritiken, allen voran den ORF für diesen Flop. Natürlich hatte auch ich davon gehört hatte. Nicht ohne Vorbehalte trat ich also in den einsamen Saal ein. Bei 180 Millionen Produktionskosten konnte man doch einiges erwarten.

Von Ölkatastrophe und Geschreie

Der Film beginnt auf einem riesigen Anwesen, besser gesagt im Schlafzimmes des Ölbarons Digger Rockwell (Tom Cruise), der sich um seine uralte Katze sorgt und alle Hiobsbotschaften ignoriert, die ihn seit längerer Zeit von seiner Ölbohrinsel in Grönland erreichen. Kurze Zeit später ist der Worst-Case-Fall eingetreten, die Bohrinsel explodiert und ein riesiger Eisberg bewegt sich auf Europa zu. Auch jetzt ist Rockwell vor allem an den finanziellen Verlusten interessiert als an der von ihm verursachten Umweltkatastrophe. Sein Umweltberater Ganesh (Riz Ahmet) spricht von Millionen Toten in Europa. Diggers Halbschwester (Sandra Hüller) rauscht ins Zimmer und kommentiert mit beißendem Spott das Geschehen, während die beiden in eine idyllische Landschaft hinausblicken. Man erfährt, dass auch der amerikanische Präsident (John Goodman) bereits zu Rockwell unterwegs ist.

Cut! Aha! Eine neue Handlungsebene (Metaebene) beginnt, die die Geschichte ins rechte Licht rücken soll. Kaum haben wir uns mehr schlecht als recht in dieser zurechtgefunden, geht es in rasendem Tempo zurück zu Rockwell und seinem Krisenmanagement mit dem amerikanischen Präsidenten und dessen Beratern. Es wird geschrieen, gebetet und geflucht, gescherzt und nach einem neuen Narrativ gesucht. Das europäische Parlament fordert Aufklärung, der amerikanische Präsident will sich aus gesundheitlichen Gründen nicht erklären. So tritt Rockwell in die Arena und stampft die grauen Politiker:innen in einer manipulativen Rede in Grund und Boden. Er habe nur das gemacht habe, was sie von ihm verlangt hätten, nämlich Öl zu prodzieren, damit sie es warm und bequem haben. Als Folge prügeln sich die Abgeordneten, der Umweltberater, ein Inder, betrinkt sich und im Parlamentsgebäude tropft Wasser von den Wänden.

Cut, wieder sind wir in einer anderen Geschichte, so geht es weiter. Katastrophe folgt auf Anpassung, der wiederum eine neue Katastrophe und Anpassung folgt.

Kaum ist man heimisch in einer Geschichte, wird man mit einem Ruck daraus entfernt, aha! Am Schluss wird aufgeklärt und alles wird mehr oder weniger Sinn ergeben, den man sich in den kühnsten Träumen nicht hätte vorstellen können.

Tom Cruise als Bösewicht

Wird der Film deswegen ein Flop, weil Tom Cruise kein schöner, braungebrannter Held ist? Er ist kaum als Tom Cruise zu erkennen, aufgedunsen, ungepflegt, mit schütterem Haar und fahler Gesichtsfarbe, wahrlich keine Identifikationsfigur für unsere Zeit. Aber ich muss sagen, dass sein Spiel überzeugt und dass alle Schauspieler:innen exzellent spielen, Sandra Hüller als kleine, ambitionierte Schwester und John Goodman als polternder sterbenskranker amerikanischer Präsident mit Krebs im Hintern. Und besonders Jesse Plemons („Bugonia“), der einen im Hintergrund agierenden jungen Produzenten mit Geheimnissen spielt. Ihnen kann kein Vorwurf gemacht werden, sie geben alles, um zu retten, was nicht zu retten ist. Und so wird sich wohl nicht einmal eine Oskarnominierung für Cruise ausgehen.

Die Welt ist eben keine Bühne

Die Botschaft, die der Film vermitteln will, ist von Anfang an glasklar, bräuchte also nicht die vielen Umwege und Seitenstraßen. Ein hervorragender Regisseur (Alejandro González Iñárritu), von dem man sich viel erwartete („Birdman“, „The Revenant“), verliert sich in seinem Genie, im Chaos des Drehbuchs, das so überzeichnet ist, dass man sich schnell nach dem Warum fragt: schwarze Komödie, Groteske, Satire? Die Metaebene funktioniert nicht, die Bühne passt nicht in den Film hinein. Man wird von Einfällen und Zufällen geradezu erschlagen. Schließlich ist man gelangweilt, nur mehr genervt und wartet erschöpft das Ende ab.

Es gibt bessere Katastrophenfilme ohne die Ambition, ein großartiges Kinoerlebnis schaffen zu wollen. Wenn man böse sein will, könnte man sagen, dass der Film wahrlich ein unausgegorener ist.

Mit diesem Hippiesong endet er, und man weiß vor Entsetzen nicht mehr aus und ein.

Vaterland: Pawel Pawlikowski (2026)

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Lange hatte ich mich auf diesen Film gefreut, denn er erhielt in Cannes den Preis für die beste Regie. Sandra Hüller als Erika und Hanns Zischler als Thomas Mann, die im Trailer mit einem schwarzen Buick 49 durch ein zerstörtes Deutschland in Schwarz-Weiß fahren. Warum sich die beiden auf Deutschlandtour begeben, erfahren wir noch nicht. Hatte ich erst vor kurzem über „Wenn die Sonne untergeht“ von Florian Illies geschrieben, das den heißen Sommer der Familie Mann im Jahre 1933 beschreibt, so erfahren wir in „Vaterland“ mit den Augen der Manns, was aus dem Traum vom 1000-jährigen Reich geworden ist.

Where is home?

Eigentlich hätte auch Erikas Bruder Klaus (August Diehl) die beiden begleiten sollen, aber er lehnte strikt eine Rückkehr nach Deutschland ab. Immer wieder versucht Erika ihn am Telefon zum Mitkommen zu überreden, vergebens. So fährt sie ihren Vater im Jahre 1949, nach 16-jährigem Exil, zuerst nach Frankfurt, wo er eine Rede zum Goethepreis hält, die vollkommen aus der Zeit gefallen ist und das starre Publikum wenig berührt. Von Jazz und Schlagern geht es weiter ins sowjetisch kontrollierte Weimar, in die Stadt Goethes, wo ihm ebenfalls der eigens für ihn geschaffene Goethepreis überreicht wird. Goethes Haus am Frauenplan wird besichtigt, sein Sterbebett, sein Arbeitszimmer. Im Park an der Ilm, wo sein Gartenhaus steht, gibt es einen steifen Empfang, auch hier fühlt er sich fremd und verabschiedet sich schnell, um seine abwesende Tochter zu suchen. Er findet sie in ihrem Hotelzimmer, erschöpft und apathisch im Bett liegend, sie steht dem Rummel um ihren Vater skeptisch gegenüber und trauert um ihren Bruder. Nicht so der Vater, der von seinem Werk und seinem Einfluss überzeugt ist, obwohl die Zukunft von Deutschland in ganz anderen Händen liegt. Auch in Weimar trifft seine Rede ein Publikum, das mit Goethes Botschaft und Thomas Manns Sprache nichts anzufangen weiß. Sie ist aus der Zeit gefallen. Auf der Rückreise entkommen sie dem Jeep, der ihre Fahrt anführt, sie treten in eine Kirche ein und hören ein Orgelspiel. Hier kommt es zur einzigen Berührung, die auch Thomas Mann eine Emotion entlockt.

Was bleibt?

Der Film beschreibt die Rückehr nach Deutschland als eine Suche nach Heimat und Identität. Aber das Vaterland ist keine Heimat mehr und wird es niemals mehr sein. Um ein neues Deutschland mitaufzubauen, sind die Gräben zu tief. Es ist ein geteiltes Land in Schwarz-Weiß und Mann will sich von keiner Seite vereinnahmen lassen, weder von „Mickey Mouse noch von Stalin“. Besonders Erika als überzeugte Antifaschistin ist wenig kompromissbereit. Bezeichnend ist Erikas Zusammentreffen mit Gustaf Gründgens, ihrem Exmann, der von Joachim Meyerhoff gespielt wird. Seiner aufgeräumten Heiterkeit und Beschönigung kann sie nur eine schallende Ohrfeige entgegensetzen. Gründgens hatte sich dem Nazi-Regime angedient oder umgekehrt, und war maßgeblich dafür verantwortlich, dass Klaus Manns „Mephisto“ in Deutschland verboten wurde.

Was man aus dem Film lernen kann: Die Rückkehr in die Heimat nach dem Schrecken des 2. Weltkrieges ist für die Manns keine Option mehr, sie werden von den USA in die Schweiz übersiedeln. Hanns Zischler spielt Thomas Mann unahbar, ernüchtert, zunehmend „erschüttert, weil der Emigrant in Deutschland wenig gilt“.

Sandra Hüller verkörpert Erika Mann mit einer Zerbrechlichkeit und Klarsicht, die viel mehr als die Worte ihres Vaters vermitteln, was sie verloren hat und nie wieder finden wird. Und sie ist diejenige, die dem Vater auch Widerstand entgegensetzt.

Übrigens, nicht die Tochter war mit Thomas Mann auf dem Roadtrip, sondern seine Frau Katia. Schon am Anfang macht der Regisseur klar, dass er zuspitzt und verdichtet, Pawlikowski nennt seinen Film eine „dokumentarische Fantasie“: Dem Film schadet das nicht, denn die Botschaft erreicht das Publikum gewiss.

Die Odyssee (Christopher Nolan, 2026)

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Wer hätte gedacht, dass ein Film über die Irrfahrten des Odysseus ein so großer Kinoerfolg werden würde? Nicht nur, dass der Stoff von Homer stammt und uralt ist, sondern auch dass es bereits unzählige gute Verfilmungen davon gibt. Was zeichnet die Neuverfilmung von Christopher Nolan aus dem Jahr 2026 aus, dass dieser Film von Anfang an die Massen in die Kinos lockte und bereits 1,1 Milliarden Dollar eingespielt hat?


Ein Held, der kein Held mehr ist

Odysseus´ Geschichte dürfte vielen bekannt sein. Er, der nicht wegen der schönen Helena in den Krieg ziehen wollte, wird dann doch in die Schrecknisse hineingezogen. Er muss seine geliebte Penelope (Anne Hethaway) und seinen Sohn Telemachos (Tom Holland) zurücklassen und zehn lange Jahre mit dem Heer der Griechen vor Troja ausharren. Nur durch seine List, das Trojanische Pferd, kann es eingenommen und zerstört werden.

Am Beginn steckt das riesige Holzpferd im Sand fest, die Griechen hätten es als Gastgeschenk für Athene zurückgelassen, versichert ihnen der herbeigeeilte Sinon (Elliott Paige) glaubhaft. Der Bote wird dafür geopfert, durchbohrt von zwei Speeren.

Vor- und Rückblenden erzählen den Beginn und Verlauf des Trojanischen Krieges, das Geschehen um Penelope im Palast in der Heimat und die beschwerliche Rückreise von Odysseus. Sie zeigen die vielen Opfer seiner „List“ und die Folgen seiner Hybris. Odysseus wird ihnen im Lauf seiner zehnjährigen Irrfahrt begegnen und im Reich der Toten mit ihrer Verbitterung konfrontiert werden. Besonders Sinon wirft ihm in dieser düsteren Landschaft seinen Verrat vor. Odysseus´ Reise zurück ins Heimatland ist eine Reise in die Abgründe seiner Seele. In Rückblenden sieht er sich immer wieder blutverschmiert auf einer Treppe in Troja sitzen, den Wahnsinn des Schlachtens und der Zerstörung betrachtend, den er entfacht hat.

Deswegen verweilt er sieben lange Jahre bei Kalypso (Charlize Theron), eingehüllt in eine Drogenwelt aus Lotusblüten, um seiner Schuld nicht ins Auge blicken zu müssen. Nach und nach kehren die Erinnerungen zurück.

Die Irrfahrt als Sühneopfer

Die Fahrt zurück nach Ithaka wird sich in die Länge ziehen und den trojanischen Helden klein und wehmütig machen. Er wird vielen Hindernissen und Monstern begegnen. Da er den menschenessenden Sohn des Poseidon, den Riesen Polyphem blendet, hat er einen mächtigen Gegner, den Meeresgott Poseidon. Sturm und Flauten, Meeresungeheuer und -strudel zeigen Odysseus, dass sein Ego hier wenig gefragt ist. Hunger treibt die Gefährten zur Zauberin Kirke (großartig gespielt von Samantha Morton), die sie in Schweine verwandelt, weil sie sich wie solche benehmen. Nur Odysseus darf den Gesang der Sirenen hören, der ihn fast in den Wahnsinn treibt und sein Gebrüll ist so verzweifelt, dass es nun in vielen Mimes zu hören ist. Und als Odysseus´ Männer, um nicht zu verhungern, die Rinder des Helios schlachten, ist ihr Schicksal besiegelt. Nur Odysseus wird die Stürme und Abenteuer überleben und als zerlumpter Bettler in die Heimat zurückkehren, wo ihn die gierigen Freier (besonders fies Robert Pattinson) erwarten. Der Showdown kann beginnen.

Warum Matt Damon den Film trägt

Der Verfilmung wird vieles vorgeworfen: die Crème de la Crème von Hollywood, englische Alltagsprache, keine griechischen Schaupieler, Götter und Sexszenen, eine schwarze Helena (Lupita Nyongó), Vikingerschiffe und falsche Kostüme und vieles mehr. Den Erfolg des Films scheint dies eher zu beflügeln.

Denn der Plot erhält eine zeitgemäße Deutung, die Musik unterlegt das Geschehen, ohne sich in den Vordergrund zu drängen, die Kamera (der erste Film, der durchgehend mit einer IMAX- Kamera gedreht wurde), ermöglicht das Eintauchen in das Geschehen, aber die Figur des Odysseus (Matt Damon) überwiegt alles.

So muskulös er ist, wirkt er wie ein antiker Held und könnte zum neuen Superhelden hochstilisiert werden. Er ist es nicht, denn er zeigt sich unsicher, verletzlich und zerrissen wie kein anderer Odysseus zuvor. Er ist nicht stolz auf seine Taten und prahlt nicht, sondern kehrt geläutert und reumütig in seine Heimat zurück. Nur logisch ist das Ende des Films. Nur Matt Damon konnte diesen gebrochenen, ausgezehrten Odysseus spielen.

Um es grob zusammenzufassen: Was auch immer über den Film gesagt werden kann, er bietet ein großartiges Kinoerlebnis, das nicht versäumt werden soll.

Laura Freudenthaler: Iris (2026)

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Was macht eine Schriftstellerin so das Jahr über? Sie reist und reist, besucht Kulturinstitute in ganz Europa, in den USA und in Indien auf der Suche nach Stoff für ein neues Buch. Sie hat einige Freundinnen, die auch Künstlerinnen sind und einen Fotografen als Freund, Anton, mit dem sie ihre Sexualität ausleben kann. Das könnte jetzt einen Roman über ein abenteuerliches Leben ergeben, aufregend zu lesen und voller intellektueller Begegnungen, wenn uns nicht die Form des Romans Hürden in den Weg legen würde.

Ein Leben unterwegs in dreizehn Sätzen

Richtig, denn der Roman „Iris“ ist in 13 Kapitel unterteilt und jedes Kapitel, das ungefähr zehn bis zwanzig Seiten umfasst, besteht nur aus einem einzigen Satz. Im ersten Kapitel wartet Iris, so heißt die Protagonistin, am Flughafen, nimmt die Ereignisse im Gespräch mit ihrem Freud nach ihrer Rückkehr vorweg, der Flug führt sie an Institute für deutsche Sprache in die USA, nach Chicago, wo sie in einem Seminar über ihr Buch spricht, das auf wenig Interesse bei den Studenten trifft, von dort geht es nach New York, zu einem Abendessen mit Literaturmenschen, bei dem eine Kritikerin ihr von der Hexenjagd in Salem, Neuengland, Ende des 17. Jahrhunderts, erzählt, alles in einem einzigen Satz, nur durch Beistriche getrennt, 9 Seiten lang. So verschmelzen die Erzähl- und Zeitebenen, die Perspektive der Ich-Erzählerin wechselt zur 3. Person, so rastlos wie Iris durch die Welt hetzt, ist auch der Schreibstil von Laura Freudenthaler.

Über Geschlechtergewalt und Kriege

Oft sind es Gewalterfahrungen, die Frauen angetan wurden und werden, mit denen Iris sich beschäftigt. Die Berichte über die Hexenprozesse sind grausame Foltergeschichten. Auf Kriege wird immer wieder Bezug genommen. Anton sagt während eines sadomasochistischen Spiels: „(…) der Krieg ist das grundlegende Prinzip allen Lebens und der Natur selbst“, worauf Iris antwortet: „(…) der Krieg ist deshalb in den Menschen, weil er immer und immer wieder weitergeben wird (…)“ (Iris, S. 28). Gewalt ist auch in ihrer Beziehung präsent, Iris lässt sich von Anton anketten, schlagen, würgen, alles einvernehmlich. Danach fragt Anton: „(…) bist du jetzt friedlich? (…)“

Von ihren rastlosen Reisen kehrt Iris kurz in ihre Wiener Wohnung zurück. Dort schreibt sie und hält die Blätter auf ihrem Schreibtisch mit einem gläsernen Briefbeschwerer in zeitlicher Reihenfolge zusammen. Das Schreiben ist für sie eine Strategie, um mit der Überforderung durch die Bilderflut aus grausamen Zeiten und der modernen Welt umzugehen. Gleichzeitig verschlechtert sich ihre Sehkraft immer weiter. Ihr Freund, mit dem sie eine offene Beziehung führt und vor dessen Verlust sie große Angst hat, arbeitet mit kaputten Kameras. Er will alles ganz genau erzählt bekommen – auch, um sie dafür zu bestrafen.

Eine Figur, die sich nicht greifen lässt

Warum interessiert sich Iris so sehr für die Hexenprozesse? Warum ist sie andauernd unterwegs? Und was hat es mit ihrer Sexualität auf sich, ihren Fantasien in dunklen Kellern und Dachboden zurückgelassen zu werden, gefesselt und blind vor Angst, verrückt und ermordet zu werden? Denn es gebe ja für sie ein Wort, um dem Schrecken ein Ende zu bereiten. Aber sie nutzt es nicht.

Was verbindet ihr Nomadenleben mit ihrem Bedürfnis nach Unterwerfung und Kontrollverlust? Braucht Iris die vielen Reisen und kurzen Begegnungen mit Bekannten und Unbekannten unterwegs, um sich wieder frei und unabhängig zu fühlen? Nicht, dass es sich bei Iris um einen Literaturstar handeln würde, denn die Lesungen in den Kulturinstituten sind immer nur von wenigen besucht, meist Studenten, die sich keine Fragen zu ihren Texten zu stellen getrauen. Ihre Ruhelosigkeit spiegelt sich im Text wider, denn auch für den Leser/ die Leserin gibt es kein Verweilen an einem Ort, bei einer Person, sondern wir werden mit der Erzählerin weitergetrieben in ihrem Fluss der Gedanken und Begegnungen, nicht wissend, an welches Ufer wir als Nächstes gespült werden. „(…) manchmal habe ich das Gefühl, sagt Iris, mich in den Geschichten aufzulösen (…) (S. 28).

Dieser Roman wird nicht alle in seinen Bann ziehen, da man sich zuerst auf die Form einlassen muss. Wenn Sie sich jedoch mit einer hochgelobten österreichischen Autorin auseinandersetzen möchten, ist er genau der richtige. Sie werden einer Protagonistin begegnen, die schwer greifbar ist, da sie ihre Gefühle nicht offenbart, aber uns einiges über unsere Gegenwart mitteilen kann. Denn Laura Freudenthaler könnte mit diesem Roman die Augen ihrer LeserInnnen öffnen, um sich mit wichtigen Themen unserer Zeit auseinanderzusetzen. Im Leid der als Hexen bezichtigten Frauen sind Parallelen zur Gegenwart zu erkennen. Die zunehmende Digitalisierung lässt die Printmedien in Hotels verschwinden, beklagt Iris, Sprach- und Kulturinstitute sind vom Aussterben bedroht, sie zeigt die prekäre Situation der Geisteswissenschaften auf, um nur einige wenige herauszugreifen. Es gibt keine einfachen Antworten.

Hoffnung, so lässt die Autorin Iris sprechen, gibt es dann, wenn man sich bemüht, gut zu sein.

Arundhati Roy: Mother Mary comes to me (2026)

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Wer hatte nicht in der Zeit der Hippies den Wunsch, nach Indien zu reisen, um dort Erleuchtung zu finden? Nach Goa, in einen Ashram, mit befreiter oder unbefreiter Sexualität, um Yoga, Meditation oder was auch immer zu lernen? Arundhati Roy war damals in Goa und fand die dort lebenden Hippies rassistisch und wenig einladend. Was sie noch so alles erlebt hat als Frau in Indien in den letzten 60 Jahren, erzählt sie in ihrer unverhüllten Autobiografie „Mother Mary comes to me“.

„She treated nobody as badly as she treated you“

Wenn sich die Schriftstellerin, die durch ihren Erstling „Der Gott der kleinen Dinge“ (1997) weltberühmt wurde, in ihrer Autobiografie an jemandem abarbeitet, dann ist es ihre Mutter: Mary Roy, zugehörig der priviligierten Syrian Christian Community, war mit einem alkoholabhängigen Plantagenverwalter nicht standesgemäß und unglücklich verheiratet, hatte einen neun Monate alten Sohn und wollte ihre erneute Schwangerschaft mit allen Mitteln unterbinden. Weil ihr das nicht gelingt, wird sie ihre Tochter zeitlebens verachten, misshandeln und für all ihr Unglück verantwortlich machen. Arundhati Roy schildert, wie ihre Mutter geschieden, völlig mittellos, mit zwei Kleinkindern ins leerstehende Vaterhaus zurückkehrt und ihr eigener Bruder samt Mutter sie von dort hinauswerfen wollte. Auch sie ist brutal zu ihren Kindern und erwartet, dass sie außergewöhnliche Leistungen erbringen. Wenn nicht, gab´s Prügel und Schikanen, sie setzte ihre kleine Tochter am Straßenrand aus und tötete ihren Hund. Das war ihr privates Gesicht, aber sie hatte auch ein öffentliches: Denn Mrs. Roy, so mussten sie ihre Kinder nennen, war auch eine radikale Frauenrechtlerin, durchsetzungsfähig und ein Vorbild für viele: Sie erkämpfte vor dem Obersten Gerichtshof, dass syrisch-christlichen Frauen die gleichen Erbechte zugestanden wurden. Sie ermunterte Frauen, sich gegen Unterdrückung und Gewalt zur Wehr zu setzen. Sie war eine anerkannte Schulgründerin in Kerala, die über Jahrzehnte einen modernen Schulcampus aufbaute und von Tausenden Kindern, Eltern und Mitbürgern bis ins hohe Alter fast wie eine Heilige verehrt wurde.

„The darkness – a route to freedom“

Wie der Mutter wird es auch der Tochter ergehen. Arundhati wird als Teenager nach einer schweren Kränkung den Konakt zu ihrer Mutter und der südindischen konservativen Gemeinschaft jahrelang abbrechen, um in Neu-Dehli Architektur zu studieren und etwas Glück und Freude zu erfahren. Zunächst muss sie dort als junge Frau unter ärmlichen und gefährlichen Umständen überleben. Nach dem Studium schreibt sie erfolgreiche Drehbücher, die ihr damaliger Freund aus reichem Hause verfilmt. Noch in den Zwanzigern lässt sie diese Karriere hinter sich, weil sie den Drang verspürt, einen Roman zu schreiben, an dem sie viele Jahre lang arbeitet.

„Der Gott der kleinen Dinge“ bekommt den Bookerpreis und macht sie finanziell unabhängig. Nun kann sie sich an politischen Aktionen beteiligen, sie kämpft gegen die Zerstörung der Natur, gegen den aufziehenden Hindu-Nationalismus, gegen die Politik der Regierung in Kaschmir. Dafür wird sie nicht nur einmal angeklagt, als Landesverräterin beschimpft und muss für einen Tag ins Gefängnis wegen Verachtung des Obersten Gerichtes. Aber mehr geschieht ihr aufgrund ihres Ruhmes und ihrer Bekanntheit nicht – im Gegensatz zu ihren MitstreiterInnen, die lange Gefängnisstrafen ausfassen.

Neben ihren Romanen schrieb sie auch viele Sachbücher und Essays, die immer wieder mit erbitterten Protesten und Anklagen einhergehen.

„Meine Zuflucht und mein Sturm“

Der Titel „Mother Mary comes to me“ ist von Paul McCartneys berühmter Zeile aus „Let it be“ inspiriert, einen Song, den er über seine verstorbene Mutter geschrieben hat.

Der deutschen Titel der Autobiografie „Meine Zuflucht und mein Sturm“ fasst die komplexe Mutter-Tochter-Beziehung prägnanter zusammen. Mary Roy war keine bedingungslos liebende Mutter, aber eine Inspiration für das Leben und Werk ihrer Tochter. Und die Gewalt durch ihre Mutter hätte sie – so die Autorin – gut auf die Rauheiten des Lebens vorbereitet.

Die Autobiografie von Arundhati Roy ist ein berührendes, brutal-ehrliches und humorvolles Buch, das zeigt, wie sehr Familie, Gesellschaft, Politik und Kunst miteinander verwoben sind.

Sollten Sie wissen wollen, welcher Titel mir besser gefällt, dann sei hier die Antwort verraten.


Now is better: „Rose“ (Markus Schleinzer, 2026)

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Stefan Sagmeisters Motto lautet: „Now is better“. Wer würde dem heute nicht widersprechen? Ich musste daran denken, als ich gestern das Grazer Kino verließ. Der Film „Rose“ wurde hauptsächlich von Frauenpärchen besucht und während des Abspanns herrschte langes, tiefes Schweigen im Saal. Auch ich war mitgenommen. Denn es ist keine ermutigende Geschichte aus früheren Zeiten, die uns der österreichische Regisseur Markus Schleinzer erzählt.

Rose steht ihren Mann

Nach 10 Jahren als Soldat im 30-jährigen Krieg ist Roses Gesicht durch eine Kugel verunstaltet. Um die Narbe und ihre weibliche Identität zu verbergen, trägt sie stets einen breitkrempigen Hut. Wir erfahren gleich am Anfang von einem Erzähler, der ihre Geschichte begleitet, dass sie eine Betrügerin ist. Sie erhebt in einem Dorf Anspruch auf ein unrechtmäßiges Erbe: ein Stück Grund mit zerfallenen Gehöften. Die Dorfbewohner begegnen ihr zunächst mit Misstrauen, aber sie ist intelligent, mutig und geschäftstüchtig. Innerhalb kurzer Zeit bringt sie ihr Land zum Blühen, unterstützt von Knechten und Mägden, und möchte ihren Besitz erweitern. Um einen Bach erwerben zu können, muss sie die älteste Tochter des Besitzers, Suzanna (Caro Braun), heiraten. Langsam wachsen die beiden zusammen. Durch einen fatalen Bienenstich kommt die Wahrheit ans Licht der Öffentlichkeit und das Verhängnis nimmt seinen Lauf.

Ein Leben in Schwarz-Weiß

Der Film wurde in Schwarz-Weiß gedreht, das die harten Arbeits- und Lebensbedingungen im 17. Jahrhundert nüchtern einfängt. Das Glück der Menschen ist abhängig von der Natur und der Dorfgemeinschaft. Erstere zeigt seine Gewalt in Form von gewaltigen Regengüssen, die ein Fortkommen mit dem Mitgiftwagen verunmöglichen und wilden Bären, die den Menschen bedrohlich nahekommen.

Zweitere zeigt sich in strengen protestantischen Verhaltensnormen, die von der Gemeinschaft erwartet und unerbittlich seitens des Gesetzes durchgesetzt werden. Der sonntägliche Kirchenbesuch ist obligatorisch, die Kirchenbänke dicht besetzt. Einem Leben, das diese Normen durchbricht, wird radikal der Prozess gemacht. Rose wird bei der Anhörung gefragt, warum sie sich als Mann ausgab, und ihre Antwort ist entwaffnend ehrlich. Sie wollte freier leben, sie hatte gehofft, in Männerhosen mehr Möglichkeiten zu haben.

Frau und Mann zugleich

Sandra Hüller gewann für ihre Rolle als Rose bei der Berlinale den Silbernen Bären. Der Film lebt von ihrem Können. Obwohl ersichtlich ist, dass Rose eine Frau ist – breite Hüften, weibliche Stimme – geht, spricht und handelt sie in der Öffentlichkeit wie ein Mann. Im Privaten zeigt sie sich fürsorglich und einfühlsam. Ohne diese Wandlungsfähigkeit von Sandra Hüller, die sowohl einen dominanten Mann als auch eine verwundbare Frau verkörpern kann, würde dieser Film nicht so sehr unter die Haut gehen.

Der Film wertet nicht, kühl und distanziert wird diese Geschichte aus einer früheren Zeit erzählt. Eine Frau sucht nach Möglichkeiten für ein erfülltes Leben, das die damalige Zeit ihr nicht bietet. Damals wie heute geht es um Identität und Selbstbestimmung. Aber so viel kann man doch sagen: „Now is better“, unsere Gesellschaft ist bunter geworden.

Das Fazit

In diesem Sinne ist dieser „schreckliche“ Film aus der Mitte des 17. Jahrhunderts über eine starke Frau, die an der Kirche und der Moral ihrer Zeit scheitert, ein wahrer Hoffnungsträger für unsere Zeit.

„Ach, diese Lücke, diese entsetzliche Lücke“ (Simon Verhoeven, 2026)

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Der Titel stammt aus Goethes Briefroman „Die Leiden des jungen Werther“, den Generationen von Jugendlichen als Sinnbild von Sehnsucht, Leidenschaft und Scheitern lesen mussten, einen tragischen Bestseller aus dem 18. Jahrhundert. Auch Joachim Meyerhoff, einer der ganz großen Schauspieler des deutschen Theaters, hat mit seinen sechs autobiographischen Romanen Bestseller geschrieben. Wer diese Bücher gelesen hat, weiß, wie unterhaltsam, witzig und todtraurig sie sind, da sie das pralle Leben in alle seinen Höhen und Tiefen zeigen.

„Ach, diese Lücke, diese entsetzliche Lücke“ ist das dritte aus der Reihe. „Alle Toten fliegen hoch. Amerika“ (2011) handelt von seiner bewegten Jugend und dem Austauschjahr in Amerika. In „Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war“ (2013) begleiten wir den jungen Joachim durch seine Kindheit, die er auf dem Areal einer psychiatrischen Anstalt verbringt, wo sein Vater als Arzt arbeitet. Und „Ach, diese Lücke“ (2015) beschreibt die Zeit, als er als Schauspielschüler bei seinen Großeltern in München lebt.

Joachim, die Großeltern und die Schauspielschule

Joachim Meyerhoff beschließt nach dem Unfalltod seines geliebten Bruders überraschend Schauspieler zu werden. Er möchte an die berühmte Falckenbergschule in München gehen. Das Aufnahmeverfahren ist gnadenlos, der Ansturm riesengroß, nur ganz wenig Auserwählte werden aufgenommen. Aber er schafft es mit nur einem Text, „Dantons Tod“, denn seine Großmutter hatte ihm abends Kaffee gegeben, um beim Vorsprechen richtig fertig zu sein. Sie war ja selbst eine berühmte Schauspielerin und auch Lehrerin an dieser Schule und wisse einige Tricks. Kaffee spielt ansonsten in der Villa der Großeltern keine große Rolle, Alkohol fließt in rauen Mengen von früh bis spät, Trink-Rituale prägen den Alltag der Großeltern. Am Morgen wird synchron mit Schnaps gegurgelt, der gleich hinuntergeschluckt wird, zum Frühstück gibt es Champagner, um 5 Uhr folgt ein doppelter Whiskey und am Abend Rotwein mit klassischer Musik. Dazwischen wird im Freien geturnt, gelesen, geschrieben und im nahen Schlosspark spazieren gegangen. Die liebvollen Großeltern, „mein Lieberling“ nennt ihn die Großmutter zärtlich, geben dem Enkel Halt und Sicherheit in einer stürmischen Zeit.

Denn Joachim kann sich zunächst in der Schauspielschule nicht entfalten, er ist gehemmt und kann mit vielen „befreienden“ Übungen („Brustwarzenlächeln“) nichts anfangen. Er schämt sich und fühlt sich dem großen Druck und der Konkurrenz nicht gewachsen. Nicht nur einmal droht ihm der Hinauswurf. Aber seine Großeltern stehen fest hinter ihm, relativieren und schließlich kann ihm die Großmutter sogar eine erste Filmrolle verschaffen. Dadurch steigt sein Ansehen an der Schule und am Ende der vierjährigen Ausbildung bekommt er sein erstes Engagement in Kassel. Jahre später werde ich Joachim Meyerhoff am Burgtheater in verschieden Rollen bewundern, die alle in lebendiger Erinnerung geblieben sind.

Warum „Ach, diese Lücke“ ein großartiger deutscher Film ist

Simon Verhoeven hat das Buch mit seiner Mutter Senta Berger in der Figur der exzentrischen Diven-Großmutter und Michael Wittenborn als schrulligen Philosophen-Großvater verfilmt. Der jugendlich-unverbrauchte Bruno Alexander spielt Joachim Meyerhoff mit all seinen Blockaden so überzeugend, dass es eine Freude ist, ihm dabei zuzuschauen. Wer ausgezeichnete Schauspielkunst bewundert, wird mehr als auf seine Kosten kommen, ist der Film doch eine Würdigung dieser Zunft. Simon Verhoeven hat seiner Mutter, die sich die Rolle zuerst gar nicht zugetraut hatte, einen Liebesdienst erwiesen („geniale Altersrolle“). Das übrige Ensemble ist ebenso treffend gewählt: Karoline Herfurth, Tom Schilling, Victoria Trauttmansdorff, Friedrich von Thun, David Striesow, Laura Tonke, alle diese großen Namen werden ihrem Ruf gerecht und zeigen, was sie können.

Die Verfilmung schafft es von Beginn an, einen jungen Mann in einer Lebenskrise aus liebevoller Distanz zu begleiten. Unser Held stirbt nicht an seinen hohen Erwartungen und einer bornierten Gesellschaft, sondern findet durch viel Unterstützung seine Bestimmung als Künstler. Leichtigkeit löst die Schwere ab, die ihn belastet und vom Leben zurückgehalten hat. Er kann nun seine Trauer und Verlorenheit für sein Spiel produktiv verwerten. Die Zeiten haben sich gottseidank geändert.

Regie, Soundtrack und Kamera untermalen das Geschehen subtil, alles zusammen ergibt einen unterhaltsamen und tiefgründigen deutschen Film, den Sie unbedingt sehen sollten. Mit aller seiner Leichtigkeit und Tragik, die man sich von einem echten Meyerhoff eben erwartet.

No Other Choice (Park Chan-wook, 2025)

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Seit dem Filmfestival in Venedig letzten Jahres wird dieser Film gehypt, gespannt erwartete ich sein Erscheinen in Österreich. Ich mag die Filme von Regisseur Park Chan-wook sehr, seit ich „Joint Security Area“ gesehen habe. Dieser war einer der ersten, der mich in Kontakt mit dem koreanischen Kino brachte. „Oldboy“, „Die Taschendiebin“ und „Die Frau im Nebel“ (siehe meinen Blog, 2023) überzeugten mich dann endgültig, dass Park Chan-wook zu den großen Meistern des Kinos gehörte. Aber gilt dies auch für seinen neuesten Film „No Other Choice“? Dieser Film wird als bitterböse Satire auf den Kapitalismus, als eine Kapitalismusparabel (Der Standard) interpretiert.

Was definiert einen Mann?

Der Manager Man-su (Lee Byung-hun) verliert seinen Job in einer Papierfabrik, für den er sich 25 Jahre aufgeopfert hat. Amerikanische Investoren haben die Firma übernommen und „notwendige Rationalisierungen“ durchgeführt, sie hatten „No other choice“. Man-su, stolzer Familienvater mit hübscher Frau, zwei Kindern und zwei Golden Retriever, definiert sich über seinen Job. Er hat es zu Wohlstand gebracht, wohnt in einem modernen Betonbau mit großem Garten und Gewächshaus für seine Bonsaizüchtung. Die Entlassung bedeutet für ihn eine Hinrichtung, die er mit „Kopf ab“ andeutet.

Anfangs ist er davon überzeugt, dass er in drei Monaten einen ähnlich gut bezahlten Managerposten bekommen werde. Aber nach frustrierenden 18 Monaten als unterbezahlter Angestellter in einem Supermarkt ist die Abfindung aufgebraucht und ein neuer Job in weite Ferne gerückt. Seine Frau Mi-ri (Son Yejin) wird wieder Zahnarzthelferin bei einem feschen Chef, die Ausgaben müssen jedoch radikal eingeschränkt werden, keine teuren Hobbys mehr, kein Zweitauto und Netflixabo, auch die beiden Hunde werden weggegeben.

Nun ist guter Rat teuer, denn Man-su will auf keinen Fall sein Geburtshaus verlieren, schon gar nicht gesellschaftlich absteigen. So ersinnt er einen teuflischen Plan: Da einige potenzielle Konkurrenten, wie er mittels einer Fake-Ausschreibung ermittelt, ihn in einem Bewerbungsverfahren übertrumpfen würden, beschließt er diese auszuschalten. Er ersinnt grausame, teilweise so makabre Tötungsverfahren, dass das Lachen in Erschrecken umschlägt, untermalt von dröhnendem koranischem Schlager.  Seine Opfer erwecken Mitleid, sind sie doch selbst Opfer des kapitalistischen Systems, Gefeuerte, Säufer, Verlassene oder Devote, die sich nicht zu schade sind, auch in niedere Dienste zu gehen. Er lässt sich davon nicht beirren und ob er es tatsächlich schafft, den von ihm heiß begehrten Posten in der Papierindustrie wieder zu erobern, sei hier nicht verraten.

Weder Fisch noch Fleisch

Obwohl der Film für Korea in der Kategorie Bester internationaler Film ins Oscarrennen geschickt wurde, kam er nicht in die engere Auswahl. Verständlich, denn der Film ist weder Fisch noch Fleisch. Der Protagonist ist sowohl ein brutaler Killer als auch ein sorgender Ehemann und Vater, sein Denken und Handeln wird aber durch Gier und Männlichkeitswahn vernebelt. Er redet sich ein, keine andere Wahl zu haben. Er plant als Gewerkschafter keine Proteste gegen die amerikanische Übernahme oder solidarisiert sich mit seinen Leidgenossen. Immerhin deutet der Regisseur am Ende die Folgen seines mörderischen Treibens an. Einen allgegenwärtigen Konkurrenten hatte er nicht auf dem Schirm. Denn auch diesem fehlt Wärme, Zuversicht und Solidarität. Wie der Betonbau, in dem die Familie lebt, so steht es auch um den Protagonisten, roh und auf Funktionalität ausgerichtet.

Am Beginn grillt Man-su voller Stolz in seinem Garten den Aal, den er von seiner Firma bekommen hat. Er sieht das Geschenk als Auszeichnung für seine Verdienste um die Firma, in Wahrheit steht er für seine Kündigung. Er ruft Frau und Kinder zu einer innigen Umarmung zusammen, eine Familienidylle, Mozarts Klavierkonzert Nr. 23 und fallende Blätter umrahmen das Geschehen. Der Abgesang an die Menschlichkeit wird begleitet von schönen Bildern und lauter Musik, die Brutalität der Handlung mittels Geblödel und Übertreibungen konterkariert, Gestik und Mimik der hervorragenden Schauspieler sind schrill und weisen auf den Wahnsinn hin, der die Hauptfigur antreibt. Slapstick, schwarzer Humor und eine kunstfertige Ausführung gegen die Gefahr, die den Zusammenhalt der Gesellschaft bedroht?  No other choice? Das kann nicht alles gewesen sein.

Florian Illies: „Wenn die Sonne untergeht – Familie Mann in Sanary“

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Wer kennt sie nicht? Den Literaturnobelpreisträger Thomas Mann, seine umsichtige Frau Katia, deren sechs Kinder, Erika, Klaus, Golo, Monika, Michael und Elisabeth? Nicht zu vergessen Thomas Manns Bruder Heinrich, den Schöpfer von der „Der Untertan“. Reich-Ranicki soll einmal über die Manns gesagt haben, „dass es in Deutschland im 20. Jahrhundert keine bedeutendere, originellere und interessantere Familie gegeben hat“.

Floran Ilies, der aus Tagebücher und aus „einer unübersehbaren Menge an Literatur“ geschöpft hat, begleitet mit „Wenn die Sonne untergeht“ die einzelnen Mitglieder durch das erste Halbjahr des Jahres 1933, als die Familie erkennen muss, dass ein Leben im nationalsozialistischen Deutschland nicht mehr sicher sei. Er beschreibt die ersten Stationen des Exils von Februar bis September 1933 als Zerreißprobe innerhalb der Familie.

Von der Schweiz

Was war geschehen, dass die Familie Mann bereits im Februar 1933 die herannahende Gefahr zu erkennen vermag? Freunde, aber vor allem die beiden ältesten Kinder, Erika und Klaus, drängen die Eltern nach einer Vortragsreihe in Europa nicht mehr nach München zurückzukehren. Es wird ein Abschied für immer sein. Während das Ehepaar Mann zunächst in der Schweiz bleibt, wird von Freunden und Tochter Erika die Münchner Villa nach und nach geräumt, Kleidung, Bücher und Mobiliar werden weggebracht. Golo bekommt den Auftrag, Geld von den deutschen Konten abzuheben und die Tagebücher des Vaters außer Landes zu bringen. Die drei teuren Autos sind bereits beschlagnahmt und auch die großzügige Villa in der Poschingerstraße 1, in der sie 14 Jahre gewohnt hatten, ist kurze Zeit später in den Besitz der Nationalsozialisten übergegangen.

In den Süden Frankreichs

Nach einigen Zwischenstationen geht es nach Sanary-sur-Mer. Hier hat sich bereits eine erlesene Schar von deutschen Emigranten eingefunden, vom Ehepaar Feuchtwanger über Arnold Zweig, Ludwig Marcuse bis hin zu Bert Brecht. Auch Heinrich Mann hat sein Quartier in der Nähe aufgeschlagen und besucht den Bruder regelmäßig. Bald ist für die große Familie eine ruhige Villa („La Tranquille“) gefunden, in der der Nobelpreisträger an seinem Roman „Joseph und seine Brüder“ arbeiten kann. Die beiden jüngeren Kinder, Michael und Elisabeth, bekommen von Golo vormittags Privatunterricht und fürchten das Mittagessen, denn von ihnen werden geistreiche Beiträge erwartet. Am Abend treffen sich die Exilanten, lesen sich aus ihren Werken vor und feiern ausgelassene Gartenpartys. Die südliche Sonne ist erbarmungslos und bald sind alle braungebrannt: „Darf man eigentlich so erholt wirken, wo man sich doch auf der Flucht befindet und Deutschland in solcher Gefahr?“, schreibt Illies über diese illustre Gesellschaft.

„Große Behagensverminderung“

Während Thomas Mann öffentlich schweigt, da er Angst hat, dass seine Bücher nicht mehr in Deutschland erscheinen könnten, drängen ihn Erika und Klaus klar Stellung zu beziehen. Klaus Mann will mit seiner Zeitschrift „Die Sammlung“ von Amsterdam aus gegen das Unrechtsregime in Deutschland vorgehen. Sein Vater zieht seine Zusage – zur großen Enttäuschung seines Sohnes – auf Anraten seines Berliner Verlegers zurück. Denn Thomas Mann ist noch immer davon überzeugt, dass er eine gewichtige Stimme in Deutschland habe, Werk geht vor Familie.

Nach drei langen Monaten der Unsicherheit und Wehmut, er selbst beschreibt es mit „großer Behagensverminderung“ und dem Verlust eines beträchtliches Teil seines Vermögens kehrt Thomas Mann im September 1933 geläutert zurück in die Schweiz, wo Tochter Erika bereits ein schönes Haus in Küsnacht gemietet hat.

Über das weitere Schicksal der privilegierten deutschen Exilgemeinschaft in Sanary erfährt man kompakt im letzten Kapitel.

„Netflix fürs Bildungsbürgertum“ 

Illies hat einen anschaulichen, sinnlichen und unterhaltenden Roman über eine Familie geschrieben, in der sich der Ausnahmezustand dieser Zeit widerspiegelt. Alle Beteiligte müssen sich entscheiden, welche Partei sie ergreifen und wie sie sich positionieren, in einer Welt, die dem Abgrund, dem Krieg zusteuert. „Wenn die Sonne untergeht“ ist ein lesenswertes Buch über die Familie Mann, wenn auch mit dichterischen Freiheiten versehen. Die FAZ hat diese Art von Bücher als „Netflix fürs Bildungsbürgertum“ bezeichnet, da sie zum Binge-Reading verführten. Sei´s drum!

Mission Normandie 80 (Matthias Lemmerer)

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Haben Sie schon einmal von einer Auster gehört? Was für eine dumme Frage, jeder kennt doch das schlüpfrige Etwas, das als Delikatesse in der ganzen Welt beliebt ist. Überschätzt, weil geschmacklos, dachte ich bei meiner ersten Auster, aber von dieser soll hier sowieso nicht die Rede sein.

Plakat für die Dokumentation '80 Mission Normandie Auster' von Matthias Lemmerer, mit einem Bild einer Auster MS980 und Veranstaltungshinweisen für eine Benefizveranstaltung im Kino Gröbming.

Was nun folgt, ist die Geschichte der Auster MS980, die von tapferen englischen Fliegern, vom D-Day und von einem Flugzeugwrack erzählt, das im Ennstal restauriert und 80 Jahre später zurück nach England geflogen wurde. Es ist die Geschichte von Leidenschaft, Akribie und Teamgeist, die der Mannschaft des 661. Squadron der Royal Air Force gewidmet ist.

Die Dokumentation von Matthias Lemmerer zeigt historische Originalaufnahmen, Interviews, eindrucksvolle Flugbilder und ist in fünf Kapitel eingeteilt: Die ersten drei Teile sind dem Erwerb des Flugzeugwrackes (2004) und seiner Restaurierung von Vater und Sohn Lemmerer gewidmet. Nach jahrelanger Arbeit und Tüftelei der Originalpläne, nach fast 5000 Arbeitsstunden, nach „sehr genauer, gewissenhafter Arbeit“ (Vater Erich) kam es im Juli 2012 zum erfolgreichen Erstflug in Niederöblarn. Über zwölf Jahre später startete eine siebenköpfige Crew (die Auster und zwei Begleitflugzeuge) vom Ennstal aus, um nach England zu fliegen und von dort aus die Route des D-Days in die Normandie zu wiederholen.

Squadron 661 und der Weg zurück

Wie war die Auster MS 980 (ein kleines englisches Aufklärungsflugzeug, das zur Unterstützung der Artillerie an der Front diente) nach Österreich gelangt? Sie wurde 1953 von Österreich gekauft und gilt als der älteste angemeldete Flieger in Österreich. Und wer waren die Menschen, die ihr Leben im Squadron 661 riskierten, um Europa von der Naziherrschaft zu befreien? Nach umfangreicher Recherche und durch glückliche Umstände stößt Matthias Lemmerer auf die Nachkommen der Piloten, die am 6. Juni 1944 mit der Auster in die Normandie unterwegs waren. Man vereinbarte ein Treffen in England kurz vor dem 6. Juni 2024. Der Flug vom Ennstal aus stand unter keinem guten Stern: Schlechtwetter gefährdete das Unternehmen, ein Flugzeug hatte einen Schaden, der unterwegs repariert werden musste. Ganz schaffte die Crew den langen Flug dann doch nicht, die letzten Abschnitte mussten wegen Sturms und Regens mit Fähre und Taxi zurückgelegt werden. Das Treffen mit den Kindern und Enkelkindern der englischen Flieger war sehr emotional, denn die österreichischen Besucher konnten mehr Einblicke durch Erzählungen und Fotos in die Lebensumstände der Piloten gewinnen. Wie jung und dünn diese Männer damals waren, wie unerschrocken sie abhoben zu einem Flug, der sie in den Tod hätte führen können.

80. Jahrestag des D-Days

Letztendlich hatte der Wettergott doch noch sein Erbarmen und die Auster konnte vom Festland geholt und Matthias Lemmerer die historische Route nach Cherbourg in brauner Originaluniform fliegen. Große Glücksmomente auf Seiten der Österreicher, als die Auster dort landete und allseits bewundert wurde.

Der letzte Teil handelt vom Rückflug und dem Ankommen in Niederöblarn. Als die drei Kleinflugzeuge über den Grimming hereinflogen und sicher landeten, war die Erleichterung allen anzusehen, sowohl den wartenden Familienangehörigen als auch den Ankommenden.

Ein Lebenstraum war in Erfüllung gegangen und wir, die am Sonntag im Gröbminger Kino saßen, konnten viel lernen.

Wer Leidenschaft hat, kann andere mitreißen. Wer hatte nach dem Film nicht den Wunsch verspürt, fliegen zu lernen?

Würdigung der Verdienste der englischen Piloten: Wie glücklich die Nachkommen waren, dass ein österreichisches Fliegerteam in dieser Weise ihre Väter und Großväter für ihre Verdienste im 2. Weltkrieg ehrte und ihre Geschichte bei uns bekannt macht.

Und last but not least: Es sollte aber auch nicht vergessen werden, dass dieser historische Flug nur in Friedenszeiten stattfinden konnte, in einem vereinten Europa, das nach den Gräuel des 2. Weltkrieges von friedliebenden Menschen geschaffen und unbedingt erhalten werden muss.

Wenn Sie diese spannende Geschichte hautnah und in allen Einzelheiten miterleben wollen, ist sie auf YouTube zu finden.